Abel Azcona

“Our fundamental purpose as performance artists is to stage the primordial fear of pain, of death, and of everything we share in our lives, and then to show it and make it evident before an audience. We review it, we are aware of it, and we tell the audience: ‘This is your mirror; if I can do this in my life, you can do it in yours.”

Marina Abramović.

Azcona lives in a continuous journey of transformation. His body and his capacity for work have demonstrated radical resilience through actions derived from his personal history. In this way, his work preserves the most intimate details of his life—necessarily vulnerable and demanding an emotional response—enhancing the emotional qualities of performance through artistic and vital journeys. The purpose of these journeys is a form of personal justice that can be fulfilled and healed through connection with the audience, and the realization of the work not only advances his relationship with trauma but also offers a sense of liberation and peace: a balance.

“Returning to the Father” is perhaps Abel Azcona’s most intimate and biographical work to date. It is a journey in which the literal goal is to return to the accidental and harmful father, to the monstrous figure he represents for him. For years, Abel has created works in which pain and the bond with oneself and others were central. But when it comes to constructing a story full of violence, violation, and abuse, it is necessary to listen to the other parties and voices. Thus, “Returning to the Father” also represents a performative work of listening.

Fragment from the curatorial text by Marina Abramović / Marina Abramović Institute for the exhibition “Returning to the Father” at the Sala Amós Salvador in Logroño.

«Nuestro propósito fundamental como artistas de performance es poner en escena el miedo primordial al dolor, a la muerte y a todo lo que compartimos en nuestras vidas, para posteriormente mostrarlo y evidenciarlo frente a una audiencia. Lo revisamos, somos conscientes y le decimos a la audiencia: «Este es tu espejo; si yo puedo hacer esto en mi vida, tú puedes hacerlo en la tuya». 

Marina Abramović.

Azcona vive en un continuo viaje de transformación. Su cuerpo y su potencia de trabajo han demostrado una resiliencia radical por medio de acciones derivadas de su historia personal. De este modo, su obra guarda los detalles más íntimos de su vida, forzosamente vulnerables y que exigen una respuesta emotiva, potenciando las cualidades emocionales de la performance a través de viajes artísticos y vitales. El propósito de estos viajes es una justicia personal que puede cumplirse y sanar a través de la conexión con el público, y la realización de la obra no solo hace progresar su relación con el trauma, sino que también ofrece una sensación de liberación y paz: un equilibrio. «Volver al padre» es quizá la obra más íntima y biográfica de Abel Azcona hasta la fecha. Un viaje en el que el objetivo literal es regresar al padre accidental y dañino, a la figura monstruosa que este supone para él. Durante años, Abel ha creado obras en las que el dolor y el vínculo con lo propio y con los demás eran protagonistas. Pero cuando se trata de construir una historia llena de violencia, violación y maltrato, es necesario escuchar a las otras partes y voces. Así, «Volver al padre» supone también un trabajo performativo de escucha.

Fragmento del texto curatorial de Marina Abramović / Marina Abramović Institute en la exposición «Volver al padre» en la Sala Amós Salvador de Logroño.

Abel Azcona confronts, or, to be more precise, places his body consciously aware that his fragility is also a sign of extreme resistance. A body is, as Jean-Luc Nancy warned, a tension and a tone, a bearing and, above all, something heavy. When we see photographs of Abel Azcona crawling through the streets of Pamplona surrounded by police, we realize that his corporeality is “legally unbearable,” dragged toward the place where he must endure “the weight of the Law.” Abel Azcona exemplarily demonstrates that performance is an art of presence, without negating the aesthetic and critical potential of documentation. For him, bodily materialization is fundamental, without excluding the possibility of generating traces and testimonies that prolong the performative experience. The question of origin is, in every sense, the critical point of all the actions he undertakes, provided we understand that what we have is not a “full presence” but différance and supplementarity—writing that delays the encounter with the Real.

Without a doubt, Abel Azcona is an artist consistent with his origins. Before final acceptance and after denial, after an outburst of anger and attempts at negotiation in response to a loss or traumatic experience, comes, according to psychiatrist Elisabeth Kübler-Ross, depression or anguish. “The body,” notes Lea Vergine regarding body art performance, “is stripped in an extreme attempt to acquire the right to be reborn in the world.”

Abel Azcona works, again and again, on what hurts him. He assumes his abandonment, reactivates the experience of orphanhood. This artist’s enormous family traumas have nothing “romantic” about them, although they could be related to the striking text by Jean Paul Richter titled Discourse of the Dead Christ, Who, From the Top of the Building of the World, Proclaims That God Does Not Exist, in which Jesus, after resurrection, admits that God does not exist, that there is nothing on the other side: an empty message that also implies the tragic certainty that we are all orphans. We lack a father, or, in Abel Azcona’s case, the one who “figures” as such is nothing but an abuser. Darkness takes over everything.

It seems as if Abel Azcona’s works arise from a performative-masochistic drive. It is important to keep in mind that masochism reverses the master-slave dynamic. If possession is the madness of the sadist, the pact is that of the masochist: a radical commitment in which one risks one’s own life. Masochism necessarily has a juridical dimension, to which a performative-aesthetic dimension is added. In Abel Azcona’s case, “punishment” is conditioned by abandonment and violence, which are his original marks; maternal and paternal figures hold no higher rank than an abject law. In all his works—or rather, in his artistic behavior—there is an extraordinary and even tragic will to know; he has declared that he desires the fire of knowledge, the sore and the ardor of the possibility of the impossible: “My desire is to engage with issues that disorient, I want the initial blindness of abandoning the shadows of the certain, the accepted and established that prevent me from seeing with other lights, I want the rough, the obtuse, to destroy my bond as a slave and stand up, leave minority behind, and question with my own voice, to doubt, to defer.”

As when Vito Acconci, in Trademarks (1970), bit and marked his body, Abel Azcona punishes his body without submitting to any “discipline.” He has every reason to identify with Jean Genet, and he can also turn his resistance through disruption into a modulation of Bartleby the Scrivener’s attitude. Facing the dynamics of a scatological capitalism, he moves through it like an idiot or adopts the attitude, toward “justice,” of inhabiting silence.

Abel Azcona’s actions confront us with extreme experiences; they block traffic with a body that, even in silence, screams in pain. His dramatic example reveals that art can provoke not only fear and compassion (pathetic engines of a purge that may be of the plot itself) but also delay the final moment. It is something more intense than a game of “writing” to note, Derrida-style, that we need to linger in anticipation of dying itself. “Thus,” writes Abel Azcona, “renouncing this becoming is to abandon the possibility of what sustains me in life; from the womb I disobeyed by not extinguishing myself in the deleterious maternal routines, as an infant to the violence of the environment, as a young person to my own death impulse.” Abel Azcona risks his life and perhaps seeks in this way to “live more.” If his entire discourse and behavior has something of a reformulation of Segismundo’s first monologue in Life Is a Dream by Calderón de la Barca (a reformulation of that wisdom of Silenus that Nietzsche recovered: if you are born, the best thing is to end your life as soon as possible), we must underline that Abel Azcona’s existence has been, at many moments, a nightmare. “The crime of being born” is reformulated as the right not to have been born, when in reality he is someone condemned to survive.

“I was born,” writes Abel Azcona, “to suffer; I lament. In my origin, there is abandonment, knot, and outcome. The fact of birth would be circumstantial if not for its obligatoriness. Raped, agreed upon, born and thrown into filthy life. Born as a consequence of fervor. Born dead.” Nevertheless, this unwanted child occasionally expresses an anomalous “motherly tenderness,” especially in his poetic writing, in which, as he declares, he pays tribute to Leopoldo María Panero. Abandonment is the source of obsession, with the mother poetically evoked through flowers. However, no concessions can be made to romantic camouflage. On the contrary, what Abel Azcona obsessively repeats is the word “neither,” aware of the lack inscribed in his origin, conscious that it is “only foam.”

Abel Azcona does not return to the father as the “prodigal son” but, on the contrary, as someone demanding answers. He had the courage to summon Manuel, the man registered as his biological father (without actually being so), at the Parque de los Patos in Taconera Park in Pamplona, where decades ago he kidnapped him to take him to his village (Villar de Rena, in the province of Badajoz). That journey back represents a recollection of trauma, a return to stories of violence. The barred subject seeks to conjure forgetfulness, assuming that no destiny resolves what has happened. Here, any fantasy of a “happy family” is dismantled when what was suffered were systematic abuses and mistreatment. Finally, confronted with all the adoption file documentation that Abel obtained by chance, the “father” acknowledges all the violence he deployed, though he casts himself as the “victim”: he recognizes the pain caused, blaming “women” for everything that happened. This subject, exposed in the Amós Gallery by the hand of “his son,” embodies heteropatriarchal brutality. Abel Azcona refuses, in any way, to become a man, and when he “settles” next to his father, he aporetically marks distance.

Fragment from the curatorial text by Fernando Castro titled Something Perverse: Paroxysmal-Familial Situations of Abel Azcona for the Exhibition “Returning to the Father” and as a prologue to the eponymous book.

Abel Azcona planta cara o, para ser más preciso, pone el cuerpo consciente de que su fragilidad es también el signo de una extrema resistencia. Un cuerpo es, como advirtiera Jean-Luc Nancy, una tensión y un tono, un porte y, sobre todo, algo pesado. Cuando vemos las fotografías de Abel Azcona reptando por las calles de Pamplona rodeado por la policía comprobamos que su corporalidad es «legalmente insoportable», arrastrada hacia el lugar donde tendrá que soportar «el peso de la Ley». Abel Azcona demuestra ejemplarmente que la performance es un arte de la presencia sin que eso suponga que niegue el potencial estético y crítico de la documentación. Para él es fundamental la materialización corporal sin que eso suponga que no puedan generarse huellas y testimonios que prolongan la experiencia performativa. La cuestión del origen es, en todos los sentidos, el punto crítico de todas las acciones que desarrolla, siempre y cuando entendamos que lo que tenemos no es una «presencia plena» sino différance y suplementariedad, escritura que demora el encuentro con lo Real.

Sin duda, Abel Azcona es un artista consecuente con sus orígenes. Antes de la aceptación final y después de la negación, la explosión de ira y los intentos de negociación frente a una pérdida o una experiencia traumática, llega, según apunta la psiquiatra Elisabeth Kübler-Ross, la depresión o la angustia. «El cuerpo —apunta Lea Vergine sobre la body art performance— es desnudado en un intento extremo por adquirir el derecho a renacer en el mundo.

Abel Azcona trabaja, una y otra vez, sobre aquello que le duele. Asume su abandono, reactualiza la experiencia de orfandad. Los enormes traumas familiares de este artista no tienen nada de «romántico» aunque podrían ponerse en relación en el impresionante texto de Jean Paul Richter titulado «Discurso de Cristo muerto, el cual, desde lo alto del edificio el mundo, proclama que Dios no existe» en el que Jesucristo admite, tras resucitar, que Dios no existe, que al otro lado no hay nada: un mensaje vacío que también supone la certeza trágica de que todos somos huérfanos. Carecemos de padre o, como en el caso de Abel Azcona, quien «figura» como tal no es otra cosa que un maltratador. La oscuridad se adueña de todo.

Pareciera como si las obras de Abel Azcona surgieran de una pulsión perfomativo-masoquista. Conviene tener presente que el masoquismo invierte la operativa del amo y el esclavo. Si la posesión es la locura propia del sádico, el pacto es la del masoquista: un compromiso radical en el que se llega a poner en juego la propia vida. El masoquismo tiene necesariamente una dimensión jurídica a la que se añade lo performativo-estético. En el caso de Abel Azcona, el «castigo» está condicionado por el abandono y la violencia que son sus marcas originarias, las figuras materna y paterna no tienen por rango más que una ley abyecta. En todas sus obras o, mejor, en su comportamiento artístico, hay una extraordinaria y hasta trágica voluntad de saber; así ha declarado que quiere el fuego del saber, la llaga y el ardor de la posibilidad de lo imposible: «Mi deseo es apostar por las cuestiones que desorienten, quiero la ceguera inicial de abandonar las sombras de lo seguro, lo aceptado y establecido que me impide mirar con otras luces, quiero lo rugoso, lo obtuso, destrozar mi atadura de esclavo y erguirme, abandonar la minoría de edad y preguntar con voz propia, dudar, diferir».

Como cuando Vito Acconci en Trademarks (1970) se mordía y marcaba el cuerpo, Abel Azcona castiga su cuerpo sin aceptar ninguna «disciplina». Tiene todas las razones del mundo para identificarse con Jean Genet, así como también puede convertir su resistencia por disrupción en una modulación de la actitud de Bartleby el escribiente. Frente a las dinámicas de un capitalismo escatológico, se atraviesa como un idiota o adopta la actitud, ante la «justicia», de habitar el silencio.

Las acciones de Abel Azcona hacen que nos confrontemos con experiencias límites, bloquean el tráfico con un cuerpo que, incluso en silencio, grita de dolor. Su dramático ejemplo revela que el arte puede suscitar no sólo el temor y la compasión (motores patéticos de una purga que puede ser la de la trama misma) sino también demorar el momento final. Es algo más intenso que un juego de «escritura» señalar, a la manera derridiana, que necesitamos demorarnos en la anticipación del morir mismo. «Así —escribe Abel Azcona— que renunciar a este devenir es abandonar la posibilidad de lo que me sostiene en la vida, desde el vientre desobedecí al no extinguirme en las deletéreas rutinas maternas, como infante a la violencia del entorno, siendo joven a mi propio impulso de muerte». Abel Azcona pone en riesgo su vida y acaso trata así de «vivir más». Si todo su discurso y comportamiento tiene algo de reformulación del primer monólogo de Segismundo en La vida es sueño de Calderón de la Barca (una reformulación de aquella sabiduría de Sileno que Nietzsche recuperara: si has nacido, lo mejor que se puede hacer es darse muerte cuanto antes), tendremos que subrayar que la existencia de Abel Azcona ha sido, en muchos momentos, una pesadilla. «El delito de nacer» se reformula como derecho a no haber nacido cuando, en realidad, es alguien condenado a sobrevivir.

«Nací —escribe Abel Azcona—, para sufrir, yo me lamento. En mi origen hay abandono, nudo y desenlace. El hecho del nacimiento sería circunstancial de no ser por la obligatoriedad del mismo. Violada ella, pactado, nacido y precipitado a la inmunda vida. Nacer acontecido como consecuencia del fervor. Nacido muerto». Con todo, este hijo no deseado manifiesta, en ocasiones, una anómala «ternura de la madre», especialmente en su escritura poética en la que, como él mismo declara, rinde homenaje a Leopoldo María Panero. El abandono es la fuente de la obsesión, apareciendo poéticamente la madre evocada a través de las flores. Sin embargo, no es posible hacer concesiones al camuflaje romántico. Al contrario, lo que repite obsesivamente Abel Azcona es la palabra «ni», sabedor de la falta inscrita en su origen, consciente de que eso es «solo espuma».

Abel Azcona no regresa al padre como el «hijo pródigo» sino, al contrario, como alguien que demanda respuestas. Tuvo el coraje de citar a Manuel, el hombre que está inscrito como su padre biológico (sin serlo), en el Parque de los Patos de la Taconera de Pamplona donde hace décadas le raptó para llevarle con él a su pueblo (Villar de Rena en la provincia de Badajoz). Ese viaje de regreso supone una rememoración del trauma, un retorno a las historias de violencia. El sujeto barrado quiere conjurar los olvidos, asumiendo que no hay un destino que resuelva lo acontecido. Aquí está desmantelada toda fantasía de «familia feliz» cuando lo que se ha sufrido son abusos y maltratos sistemáticos. Finalmente, confrontado con toda la documentación del expediente de adopción que Abel consiguió fortuitamente, el «padre» asume toda la violencia que desplegó, aunque se coloca en el papel de la «víctima»: reconoce el dolor causado culpando «a las mujeres» de todo lo sucedido. Este sujeto, expuesto en la Sala Amós de la mano de «su hijo», encarna la brutalidad heteropatriarcal. Abel Azcona no quiere, de ningún modo, convertirse en un hombre y, cuando se «instala» junto al padre, está aporéticamente marcando distancia.

Fragmento del texto curatorial de Fernando Castro titulado «Algo perverso. Situaciones paroxístico-familiares de Abel Azcona para la exposición “Volver al padre» y como prólogo del libro homónimo.

Returning to the father is not becoming a father again, nor searching for a father, nor locating my biological father, nor a metaphorical or fictional idea. Returning to the father is returning to you, Manuel. To what you represent in my history, in my life experience. You are not my biological father, even though you appear as such, but I believe you are something more important, more relevant, or more transcendental than mere biology in this case. You were the trigger for my way of living. While my mother claims she tried to abort me, you deny it because it horrifies you. A curious horror of yours toward the idea of aborting me to spare me suffering, yet you allowed me to live only to inflict horrors on me. The greatest act of love anyone has ever carried out for me were my mother’s three attempts at abortion. And you, through that lie that granted you fatherhood, failed once again the woman you violated — I know for you that experience was love, but with the information I have, and knowing how you waited for her to go out to prostitute herself so you could then drug her and use her, I stand firm in saying you violated her. You said you were my father without thinking. A bit of egotism, a bit of wanting attention, a bit of carelessness. You told me that all social workers were your enemies and that this was why you wanted to keep me away from them at any cost. You told me that all the women you had been with had been bad partners. All of them had reported you because they were bad women. Your daughters do not speak to you because they are bad daughters. All four have destructive partners, two of them in prison, also because they are bad and choose badly. You say that you did not mistreat me, that the women in my life mistreated me out of pure malice, that at most you simply chose poorly. And that this was your only mistake: choosing poorly.

Manuel, I return to you in this work, crying, screaming, because the only thing I want in this life is not to be you. I would let myself be violated a thousand times again if it meant not becoming someone like you. Returning to the father means that I can do so with my head held high because I have not become you — the one who lied in Madrid, who, when he arrived in Pamplona, dropped me off at his mother’s house and disappeared, abandoning me again; the one who got high and forgot I existed; the one who says he would fuck my own mother; the one who lies to me, denies me, the coward who blames everyone but himself.

You are my father, Manuel, and not the biological one. But that is the least important part. You are my father because you represent the worst kind of masculinity, the most harmful, the most toxic, and you are my father, in part, because you are one of the reasons why I think every day that I am not capable of continuing to live for fear of becoming someone like you. I am afraid of what you are and of returning to you and staying there. Run away, coward, run away again. Lie, abandon me, abuse me, abuse my mother. Come to the performance and hold my hand, but then read what you are and run away like you did, like you will.

I return to you but I am not going to stay. I will let go of your hand so that you fall. I return to you so you know that I am not and will never be like you. I return to the father, but be aware that you do not have a son here.

Volver al padre no es volver a ser padre, ni buscar a un padre, ni localizar a mi padre biológico, ni una idea metafórica o ficticia. Volver al padre es volver a ti, Manuel. A lo que tú representas en mi historia, en mi experiencia vital. No eres mi padre biológico aunque conste como tal, pero creo que eres algo más importante, más relevante o trascendental que la mera biología en este caso. Fuiste el detonante de mi modo de vivir. Mientras mi madre afirma que intentó abortarme, tú lo niegas porque te horroriza. Curioso horror el tuyo hacia la idea de abortarme para ahorrarme sufrimientos pero en cambio vivir para infligirme horrores. El mayor acto de amor que alguien ha llevado a cabo por mí han sido los tres intentos de aborto de mi madre. Y tú, por medio de esa mentira que supuso otorgarte la paternidad, fallaste de nuevo a aquella mujer a la que violabas —sé que para ti aquella experiencia fue amor, pero con los datos que tengo, y sabiendo cómo esperabas a que ella fuera a prostituirse, para luego drogarla y utilizarla, me ratifico en que violabas—. Dijiste que eras mi padre sin pensarlo. Algo de egolatría, algo de protagonismo, algo de inconsciencia. Me contaste que todas las trabajadoras sociales eran tus enemigas y que por eso querías alejarme de ellas a cualquier precio. Me dijiste que todas las mujeres con las que has estado habían sido malas parejas. Todas te habían denunciado porque eran malas mujeres. Tus hijas no te hablan porque son malas hijas. Las cuatro tienen parejas destructivas, dos de ellas en prisión, también por ser malas y elegir mal. Dices que tú no me maltrataste, que me maltrataron las mujeres de mi vida por pura maldad, que como mucho elegiste mal. Y que ese fue tu único error: elegir mal.

Manuel, vuelvo a ti en esta obra, llorando, gritando, porque lo único que deseo en esta vida es no ser tú. Volvería a dejar que me violaran mil veces con tal de no convertirme en alguien como tú. Volver al padre significa que lo puedo hacer con la cabeza alta porque no me he convertido en ti, aquel que mintió en Madrid, que cuando llegó a Pamplona me soltó en casa de su madre y desapareció abandonándome de nuevo, el que se drogó y se olvidó de que yo existía, el que dice que me follaría a mi propia madre, el que me miente, el que me niega, el cobarde que culpa a todas menos a sí mismo.

Tú eres mi padre, Manuel, y no el biológico. Pero eso es lo de menos. Eres mi padre porque representas la peor de las masculinidades, la más mala, la más tóxica, y eres mi padre, en parte, porque eres uno de los motivos por los que pienso a diario que no soy capaz de seguir viviendo para convertirme en alguien como tú. Tengo miedo a lo que eres y a volver contigo y quedarme ahí. Huye cobarde, huye de nuevo. Miente, abandóname, abusa de mí, abusa de mi madre. Ven a la performance y dame la mano, pero luego lee lo que eres y sal corriendo cómo hiciste, como harás.

Vuelvo a ti pero no voy a quedarme. Voy a soltarte la mano para que te precipites. Vuelvo a ti para que sepas que no soy ni seré como tú. Vuelvo al padre, pero sé consciente de que aquí no tienes un hijo.

The artist Abel Azcona understands his artistic work from a process-oriented perspective, where the trigger of the piece is the original story he experienced in a context of abuse and abandonment. The activating performance consists of repeating the journey thirty years later, this time by his own choice and with a critical perspective. As a remnant and closure, the live performance was activated in 2021 at the Contemporary Art Hall in Logroño, followed by the final exhibition in 2022.

• April 29, 1988: Manuel Lebrijo assumes Abel’s paternity and travels with him to Pamplona.

• September 20, 2020: Azcona reactivates the journey from a contemporary, critical, and performative perspective, marked by a kidnapping and deprivation of freedom that occurred on April 27, 1991.

• November 12, 2021: One year and one month after the first journey, Azcona invites the other protagonist of the work to the Sala Amós Salvador in Logroño to form a bodily installation through performance before the emotional gaze of the attending audience. For one hour, both participated in the exhibition through a joining of hands and facing forward. A few minutes before this encounter, Azcona detailed to the audience the unfolding of the life and artistic journey that “Volver al Padre” had represented up to that moment.

• June 2, 2022: The third and final date. The city of Logroño, once again in the Sala Amós Salvador, hosted and closed the multi-year process with an exhibition including photography, video, performance, and installation. An exhibition by Azcona where visitors could conclude and delve into the original journey thirty years earlier—a journey between Pamplona and the village of Villar de Rena in the province of Badajoz, which life and the artist intended to pass through Logroño.

El artista Abel Azcona entiende su obra artística desde una mirada procesual del modo que el detonante de la pieza sería la historia original que él vivió en un contexto de maltrato y abandono, la performance activadora consistiría en la repetición del viaje treinta años después, esta vez por decisión propia y con una mirada crítica y como remanente y cierre, la performance en vivo activada en el año 2021 en la sala de arte contemporáneo en Logroño y la exposición final en el año 2022, respectivamente.

• 29 de abril de 1988 Manuel Lebrijo asume la paternidad de Abel y viaja con él a Pamplona.

• El 20 de septiembre de 2020 Azcona reactiva desde una mirada contemporánea, crítica y performativa el viaje, marcado por un secuestro y la privación de libertad, acontecido el 27 de abril de 1991.

• El 12 de noviembre de 2021: un año y un mes después del primer viaje, Azcona invita al otro protagonista de la obra a la Sala Amós Salvador de Logroño a formar una instalación corporal mediante performance ante la emocionada mirada del público asistente. Durante una hora ambos formaron parte de la muestra mediante una unión de manos y la mirada al frente. Pocos minutos antes de este encuentro Azcona detallaba al público el acontecer del trayecto vital y artístico que «Volver al Padre» estaba suponiendo hasta aquel momento.

• El 2 de junio de 2022, tercera fecha y última, la ciudad de Logroño, nuevamente la Sala Amós Salvador, vuelve a acoger y cerrar el proceso de varios años de duración con una muestra expositiva mediante fotografía, video, performance e instalación. Una exposición firmada por Azcona donde el visitante puede concluir y profundizar en el viaje original treinta años atrás. Un viaje entre Pamplona y el pueblo Villar de Rena en la provincia de Badajoz, que la vida y el artista han querido atraviese por Logroño.

Video completo de la performance en vivo activado en la SALA AMÓS SALVADOR como segunda etapa del proyecto performativo Volver al Padre.

RETURNING TO THE FATHER: THE EXHIBITION

Never in my life have I felt so much impatience and conflicting emotions when closing a piece as I did with “Returning to the Father.” A work that has not only marked a before and after in my personal survival, but also in the way I understand violence and self-inflicted harm. On June 2, 2022, a vital stage came to an end at the Sala Amós Salvador. A few months ago, Manuel and I ended our contact because we disagreed on the public interpretation of his own experience. In other words, seeing himself through the critical lens of art, in media and books, as an abuser. His family environment encouraged him to leave the process; in fact, his brother was in prison for convictions related to violence and had died months earlier during the “Returning to the Father” process, in which Manuel had surprisingly become involved without any objection. A kind of debt toward me, a somewhat feigned remorse, which faded as the project progressed—or perhaps a need for attention allowed the work to develop to completion: the transformation of the piece into a full exhibition where visitors can not only walk among the videos that recount the events of 2020 but also delve into the images, words, and perspective of a fatherhood that is both forced and absent.

On June 2, 2022, one of the most intimate exhibitions of the museum space to date opened, with the city of Logroño as its protagonist—the third city along the journey of “Returning to the Father,” spanning from Pamplona to the village of Villar de Rena in Badajoz.

Visitors had the opportunity to walk among walls while listening to testimonies from Manuel and Abel about their fatherhood, abandonment, abuse, and absence. An immersive and expository experience that allowed visitors to engage deeply with a personal story that forms the foundation of my creative process. In this way, the work served to close chapters and give color and form to some ghosts that lingered in my personal spectrum, never fully defined.

VOLVER LA PADRE LA EXPOSICIÓN

Nunca en mi vida he tenido tantas impaciencia y sentimientos encontrados al clausurar un pieza como con «Volver al Padre». Una obra que no solo ha supuesto un antes y después de mi supervivencia vital, sino también en la manera de entender la violencia, o el daño autoinfringido. El 2 de junio de 2022 se cerró una etapa vital en la Sala Amós Salvador. Hace ya unos meses Manuel y yo terminamos el contacto al no estar de acuerdo con la visión pública de su propia experiencia. Es decir, al verse así mismo desde la visión crítica del arte, en medios y libros como un maltratador. Su entorno familiar le animó a abandonar el proceso, de hecho su hermano estaba en prisión por condenas de violencia, y murió meses atrás dentro del propio proceso de «Volver al Padre» donde Manuel se había involucrado sorprendentemente sin objeción alguna. Una especie de deuda hacia mi persona, un arrepentimiento algo fingido, que fue cayéndose conforme el proyecto avanzaba o una necesidad de atención posibilitó desarrollar la obra hasta el final, la conversión del mismo en una exposición completa donde el visitante puede no solo caminar entre los videos que componen el viaje acontecido en el año 2020 sino también profundizar en las imágenes, las palabras y la visión de una paternidad forzada y ausente al mismo tiempo.

El 2 de junio de 2022 se inauguró una de las muestras más íntimas del espacio museístico hasta la fecha con la ciudad de Logroño como protagonista, tercera ciudad en el eje que supone el viaje de «Volver al Padre» de las ciudades de Pamplona al pueblo de Villar de Rena en Badajoz.

El visitante tuvo la oportunidad de caminar entre paredes escuchando testimonios de Manuel y de Abel en torno a su paternidad, su abandono, abuso o ausencia. Una experiencia inversiva y expositiva que posibilitó al visitante a profundizar en una historia íntima que es base en mi proceso creativo. Así de alguna manera esta obra sirvió para cerrar etapas y dar color y forma a algunos fantasmas que flotaban en mi espectro vital sin terminar de ser definidos.

La exposición “Volver al padre” duró cuatro meses del año 2022 en la ciudad de Logroño. Además del recorrido performativo, audiovisual y fotográfico, el visitante pudo encontrar cuatro obras que fueron detonante de la obra que sirvió de nombre a la muestra.