“...It turns the eyes crazy, and everything lived is impoverished, like a puddle of guilt, in the gaze ”
“... Vuelve los ojos locos, y todo lo vivido se empoza, como charco de culpa, en la mirada”
El trabajo de Abel Azcona rezuma dignidad, necesidad de hacer y de ser, de supervivencia. Sus bases acumulan la posibilidad de crítica a conceptos como el amor puro, el honor familiar, la piedad, el agradecimiento y el respeto, sobre todo, una crítica a lo que cada uno de nosotros considera respeto. Se trata de un proceso de duelo ininterrumpido, la entrega del corazón de la res que entra por sí misma al matadero. Es la voluntad de sufrir en ti para no hacer sufrir a otros. Un llanto no por el abandono, sino por la imposibilidad de enfrentarse a él. Útero es el velatorio de lo no nombrado, por que no es que la destrucción sea el origen de uno mismo, sino que nuestro único origen es la destrucción, si no, de qué el llanto y la sangre presentes en todo alumbramiento... La pena es que no todos pueden ver la luz, cuando es ella quien quema.
Abel Azcona's work oozes dignity, the need to do and to be, of survival. Its bases accumulate the possibility of criticism of concepts such as pure love, family honor, piety, gratitude and respect, above all, a criticism of what each of us considers respect. It is an uninterrupted mourning process, the delivery of the heart of the cow that enters the slaughterhouse by itself. It is the will to suffer in yourself so as not to make others suffer. A cry not because of abandonment, but because of the impossibility of facing it. Uterus is the wake of the unnamed, because it is not that the destruction is the origin of oneself, but that our only origin is the destruction, if not, of what the crying and the blood present in every childbirth .. The pity is that not everyone can see the light, when it is her who burns.
“Mi primer contacto con Abel Azcona en una ciudad inhóspita y mentirosa como es Madrid, que parece estar siempre queriéndote convencer de que algo increíble va a pasar ese mismo día y luego nunca pasa nada, es sincero y visceral. Y no puedo evitar una punzada en el estómago cuando compruebo que su lenguaje corporal expresa lo mismo que su mirada y sus palabras. Hay tanta necesidad de congruencia en estos tiempos, que cuando me encuentro ante un desbocado chorro de ella, me aferro hasta desgarrar mi piel, porque duele, pero en ese mismo instante corroboro que ha empezado a suturar mi herida de la jornada, para siempre.”
“My first contact with Abel Azcona in an inhospitable and lying city like Madrid, who always seems to want to convince you that something incredible is going to happen that same day and then nothing ever happens, is sincere and visceral. And I cannot avoid a pang in my stomach when I check that his body language expresses the same as his gaze and his words. There is so much need for consistency in these times, that when I find myself in a runaway stream of it, I hold on to tear my skin, because it hurts, but at that very moment I confirm that it has begun to suture my wound of the day, forever.”
Porque en "Útero", el cuerpo de Abel Azcona adquiere un estado de conciencia en el que cada vez pesa más la indiferencia que ha vivido durante su infancia, y el rechazo que habitó en él una vez, un profundo vacío atraviesa la movilidad de su cuerpo orgánico y pasa a tener un nuevo estado vital, la inercia.
El impulso del corazón que casi se escucha y la hiperventilación que se percibe en las distancias cortas, conforman la intimidad mental de la que te hace participe y que apenas te permite seguir respirando.
Lo realmente importante de este performance art, es que el pensamiento se expone de manera visceral, y que Abel Azcona defiende su identidad por medio de la experiencia corporal. En Espacio e Identidad encontramos algo que proporciona el arte actual, espacios de energías libres que hacen de sí mismos un cuerpo, un útero, donde Abel, por fin, desata su furia contra sí mismo y como ocurre con Beckett, el goce del que el espectador disfruta, aparece a la vez que la propia decepción del sujeto y del sentido.
No es, “Útero”, sino un rito perfectamente defendible como práctica social, y Abel se convierte en un chamán al servicio de la audiencia, y en algunos momentos me recuerda a la tan manida iconografía religiosa enfrentada a elementos paganos, nada lejana de una identidad a partir de comportamientos que para algunos son considerados masoquistas. Sin embargo, la corporeidad del trabajo de Abel conlleva, para mí, la unificación de las categorías que conforman la existencia humana, lo social, lo psicológico, lo biológico y lo cultural. Y como decía Duchamp, en la performance de “Útero”, el público que asiste establece contacto entre la obra y el mundo exterior, y permite descifrar e interpretar con profundas calificaciones cuánto y qué aporta al proceso creativo global.
“Tengo la sensación de que el “yo” que ata la soga al cuello de Abel termina en “mí”, y que, a pesar de que somos un cuerpo que habla con la voz, también somos un cuerpo con derecho a exclamar de dolor cuando no puede más, o cuando no se permite salir a esa voz. ”
Because in "Uterus", Abel Azcona's body acquires a state of consciousness in which the indifference that he lived during his childhood weighs more heavily, and the rejection that once inhabited him, a deep emptiness crosses the mobility of his organic body and happens to have a new vital state, inertia.
The impulse of the heart that is almost heard and the hyperventilation that is perceived in short distances, make up the mental intimacy in which it makes you participate and that hardly allows you to continue breathing.
The really important thing about this performance art work is that thought is exposed viscerally, and that Abel Azcona defends his identity through bodily experience. In Space and Identity we find something that current art provides, spaces of free energies that make of themselves a body, a uterus, where Abel, at last, unleashes his fury against himself and as happens with Beckett, the enjoyment of which the viewer enjoys, appears at the same time as the subject's own disappointment and sense.
"It is not," Uterus ", but a rite perfectly defensible as a social practice, and Abel becomes a shaman at the service of the audience, and at times reminds me of the well-worn religious iconography faced with pagan elements, nothing far from an identity based on behaviors that for some are considered masochistic, however, the corporeality of Abel's work entails, for me, the unification of the categories that make up human, social, psychological, biological and cultural existence. And as Duchamp said, in the performance of “Útero”, the audience that attends establishes contact between the work and the outside world, and allows us to decipher and interpret with profound qualifications how much and what it contributes to the global creative process.
“I have the feeling that the “I” that ties the rope to Abel’s neck ends in “me”, and that, although we are a body that speaks with the voice, we are also a body with the right to exclaim in pain when it cannot go on, or when that voice is not allowed to come out. ”
It is the work of Abel Azcona open, a piece that does not offer solutions, but rather poses enigmas to those who contemplate it, and all this, with the artist's personal demand for an artistic and aesthetic experience from the semiotic to the performative. The spectator is forced to the event of the work that shakes its emotional and even sometimes moral foundations at times. But nothing would be in us anymore, without this abrupt awakening that involves attending a performance by Azcona, and in our individualism there is the freedom to choose whether we want to continue dreaming or prefer to stain ourselves with mud and build with our own hands, the new foundations of social, urban, political, human art, after all.
Es la obra de Abel Azcona abierta, una pieza que no ofrece soluciones, sino que plantea enigmas a los que la contemplamos, y todo ello, con la exigencia personal por parte del artista, de una experiencia artística y estética de lo semiótico hacia lo performativo. El espectador se ve obligado al acontecimiento de la obra que hace temblar por momentos sus cimientos emocionales e incluso, en ocasiones, morales. Pero nada sería ya en nosotros, sin este despertar brusco que supone asistir a una performance de Azcona, y en nuestro individualismo queda la libertad de elegir si queremos seguir soñando o preferimos mancharnos de barro y construir con nuestras propias manos, los nuevos cimientos del arte social, político, humano, al fin y al cabo.
"Not being born can never be the greatest of favors." Sophocles.
Uterus is an artistic work designed, developed and performatized by artist Abel Azcona. A piece based on corporality formed by nine performative stages that evolve from June 2012 to February 2014. A return for Azcona to his placenta impregnated with fears, wounds and toxins.
In the work "Útero", presented by Azcona in nine different cities, each with an emotional and personal charge, we perceive the tension, fear and pain that the artist exudes throughout his body. In cities like Madrid or Houston, the critics affirmed that the piece was approaching the limit of life or suicide.
A performance with two clearly differentiated parts: firstly we see an Azcona who takes a risk with a rope as if it were an umbilical cord, drowns, cannot breathe. Nine drownings, which are interrupted on almost every occasion by the viewer themselves, fearing for the artist's life; The great physical burden and life risk makes panic breathe in each of the nine venues that have housed this work.
“In Uterus, viewers fear for my life, it is ironic, since in my real life, in my royal placenta, no one feared for my life, and they even let me be born, with my marks and my wounds.”
In the second part, the artist immerses himself in the liquid that emulates his own placenta; the months so mentally and physically damaging that the artist suffered in the belly of his biological mother translate into drowning and stumbling caused by the force of alcohol, heroin and mud on his skin. A mother linked to prostitution, alcoholism and drug addiction materializes in the viewer's ideology before the witnessed repetition of his story that Azcona executes.
The first stage of Utero was carried out in June 2012 as an event organized by the Seville City Council in the Seville capital, in which Azcona was awarded as the best young artist. The piece was developed in the Plaza Nueva in Seville in collaboration with the council of culture of the consistory. The piece created great controversy, with an attendance of hundreds of people. The first time the rope was the protagonist of the piece, giving more importance to the moment of gestation than to the stay in the placenta. In September of the same year the second stage of Utero took place, carried out in the city of Caracas, as the inauguration of his Latin American tour in the countries of Venezuela, Argentina, Peru and Colombia. Piece made possible and organized thanks to the Ministry of Popular Power for Culture of the Bolivarian Government of Venezuela and the Museum of Modern Art of Bogotá where it is part of the exhibition and international event Fall and Recovery.
In 2013 Azcona developed five more stages of the Utero project. In September he made this piece as the inaugural act of Espacio e Identidad in the city of Madrid, a collective exhibition of the artist along with national fine arts awards, one of the most important exhibitions of the year in the Spanish capital. Organized by the Embassy of the German Republic in Spain and with the Commissariat of Almudena Mora and Max Meier.
The work, with great repercussion in Madrid, was visited by more than 3,000 people on the opening day. In November, the Gallery Weekend in Santander hosted the fourth stage of this project. Azcona closed one of the most important gallery events in northern Spain. An event organized by all the art galleries in the Cantabrian capital, with the special collaboration of Marta Mantecón and the Nuble Gallery. With the help and assistance of the Italian artist Francesca Fini. This same month Uterus arrived in Berlin as part of the Action-Reaction event at the Spanish Embassy in Berlin, with the assistance of the most renowned gallery owners in the German Republic.
In November 2013, Azcona carried out Útero as a closing act of the Pamplona International Performance Art Festival 2013 in which three-day investigation around Útero was carried out. In the same month, and as a guest international artist, he developed Uterus as an inaugural piece in the Contemporary Public Art Exhibition in Santiago de Compostela, gaining great repercussion in Galicia. The last two pieces were made in 2014. In January Azcona presented Uterus as the opening piece of his solo exhibition at La Galeria Des Pentes in the French city of Lyon. The last stage of this project is carried out in February as a piece presented by Artist Abel Azcona at the Houston International Performance Art Biennial. Again, the piece created a lot of controversy in national media due to its vital risk.
"No haber nacido nunca puede ser el mayor de los favores." Sófocles.
Útero es una obra artística diseñada, desarrollada y performatizada por el artista Abel Azcona. Una pieza basada en la corporalidad formada por nueve etapas performativas que van evolucionando de junio de 2012 a febrero del año 2014. Una vuelta de Azcona a su placenta impregnada de miedos, heridas y tóxicos.
En la obra "Útero", presentada por Azcona en nueve ciudades diferentes, cada una de ellas con una carga emocional y personal, percibimos la tensión, el miedo y el dolor que el artista rezuma por todo su cuerpo. En ciudades como Madrid o Houston, la crítica afirmaba que la pieza se acercaba al límite de la vida o al suicidio. Una performance con dos partes claramente diferenciadas: primeramente vemos a un Azcona que se arriesga con una soga como si de un cordón umbilical se tratara, se ahoga, no respira. Nueve ahogamientos, que en casi cada una de las ocasiones el propio espectador interrumpe, temiendo por la vida del artista; la gran carga física y riesgo vital consigue que se respire el pánico cada una de las nueves sedes que han albergado esta obra.
“En Útero los espectadores temen por mi vida, es irónico, ya que en mi vida real, en mi placenta real, nadie temió por mi vida, y hasta me dejaron nacer, con mis marcas y mis heridas”
En la segunda parte el artista se sumerge en el líquido que emula su propia placenta; los meses tan dañinos mental y físicamente que el artista sufrió en el vientre de su madre biológica se traducen en el ahogamiento y los traspiés provocados por la fuerza del alcohol, la heroína y el barro en su piel. Una madre vinculada a la prostitución, al alcoholismo y a la drogadicción se materializa en el ideario del espectador ante la presenciada repetición de su historia que Azcona ejecuta.
La primera etapa de Útero se llevó a cabo en Junio de 2012 como evento organizado por el Ayuntamiento de Sevilla en la capital hispalense, en el que Azcona fue premiado como mejor artista joven. La pieza se desarrolló en la Plaza Nueva de Sevilla en colaboración con la concejalía de cultura del consistorio. La pieza creó gran controversia, con una asistencia de cientos de personas. La primera vez la soga fue la protagonista de la pieza, dando más importancia al momento de la gestación que a la estancia en la placenta. En Septiembre del mismo año se desarrolla la segunda etapa de Utero llevada a cabo en la ciudad de Caracas, como inauguración de su gira Latinoamericana en los paises de Venezuela, Argentina, Perú y Colombia. Pieza posible y organizada gracias al Ministerio del Poder Popular para la Cultura del Gobierno Bolivariano de Venezuela y al Museo de Arte Moderno de Bogotá donde forma parte de la exposición y el evento internacional Caída y Recuperación.
En 2013 Azcona desarrolló cinco etapas más del proyecto Útero. En septiembre realiza esta pieza como acto inaugural de Espacio e Identidad en la ciudad de Madrid, exposición colectiva del artista junto a premios nacionales de bellas artes, una de la exposiciones más importantes del año en la capital española. Organizada por la Embajada de la República Alemana en España y con el comisariado de Almudena Mora y Max Meier. La obra, con gran repercusión en Madrid, fue visitada por más de 3000 personas el día inaugural. El mes de noviembre, La Gallery Weekend de Santander albergó la cuarta etapa de este proyecto. Azcona clausuró uno de los eventos galerísticos más importantes del norte de España. Un evento organizado por todas las galerías de arte de la capital cántabra, con la colaboración especial de Marta Mantecón y la Galería Nuble. Con la ayuda y asistencia de la artista italiana Francesca Fini. Este mismo mes Útero llega a Berlín dentro del evento Acción-Reacción en la Embajada Española en Berlín, con la asistencía de los galeristas más reconocidos de la República Alemana.
En Noviembre de 2013, Azcona llevó a cabo Útero como acto de clausura del Pamplona International Performance Art Festival 2013 en el que llevó a cabo una investigación de tres días en torno a Útero. En el mismo mes y como artista internacional invitado desarrolla Útero como pieza inaugural en la Muestra de Arte Contemporáneo Cuarto Público en Santiago de Compostela, ganando gran repercusión en Galicia. Las dos últimas piezas se realizaron en el año 2014. En Enero Azcona presenta Útero como pieza inaugural de su exposición individual en La Galería Des Pentes en la ciudad francesa de Lyon. La última etapa de este proyecto se realiza en el mes de febrero como pieza presentada por el Artista Abel Azcona en la Bienal Internacional de Performance Art de Houston. De nuevo la pieza crea mucha controversia en medios nacionales por el riesgo vital de la misma.
This piece was curated by the specialist in curatorship and new stage media with extensive training and publications in the fields of education, the humanities, literary theory and theater Elvira Ramos, within her doctorate in poetic and stage research around Azcona's work. With the documentation of the Spanish photographers Raul Lucio, Ismael Delarge, the American Alex Barber, the Colombian Juan Pablo Hoyos Ramirez and the French Romuald P&G and the American camera Ronald L. Jones. With the special collaboration of A Window in Berlin, Ángel and Clara Nieto, Embassy of Spain in Germany, Ana Sanchez de Vivar, Pilar Lleó, Pamplona International Performance Art Festival, Canvas Gallery, Contemporary Art Fair, Cuarto Público, Territorio Cultura, Paula Cabaleiro, NH Obradoiro, Cerveza Menduiña, La Galería des Pentes, Pierre-Jean Blanchonovich, Art League of Houston, Houston International Performance Art Bienale, Jonatan Lopez, Julia Wallace and Roberto Sifuentes.
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Esta pieza fue comisariada por la especialista en curaduría y nuevos medios escénicos con amplia formación y publicaciones en los ámbitos de la educación, las humanidades, la teoría literaria y el teatro Elvira Ramos, dentro de su doctorado en investigación poética y escénica en torno a la obra de Azcona. Con la documentación de los fotografos españoles Raul Lucio, Ismael Delarge, el estadounidense Alex Barber, el colombiano Juan Pablo Hoyos Ramirez y el francés Romuald P&G y el cámara estadounidense Ronald L. Jones. Con la colaboración especial de A Window in Berlin, Ángel y Clara Nieto, Embajada de España en Alemania, Ana Sanchez de Vivar, Pilar Lleó, Pamplona International Performance Art Festival, Galería Canvas, Feria de arte contempoáneo Cuarto Público, Territorio Cultura, Paula Cabaleiro, NH Obradoiro, Cerveza Menduiña, La Galería des Pentes, Pierre-Jean Blanchonovich, Art League de Houston, Houston International Performance Art Bienale, Jonatan Lopez, Julia Wallace y Roberto Sifuentes.
